Wabi Sabi Visual Arts Exhibition

Wabi Sabi Visual Arts Exhibition: Tradition trifft Moderne

Die Wabi Sabi Visual Arts Exhibition im Sun Valley Museum of Art (14. Januar bis 26. März 2022) bringt die traditionelle japanische Ästhetik von Wabi Sabi ins 21. Jahrhundert. Die Kunstwerke, die geprägt sind von den Konzepten der Imperfektion und Vergänglichkeit, stellen eine visuelle Hommage an die Schönheit des Unvollkommenen dar. Kunstwerke von Künstlern wie Mark Newport, Yeesookyung, Shiro Tsujimura und Frances Trombly feiern Farbtöne und Formen, die normalerweise übersehen werden – kaputte Objekte und natürliche Materialien werden in ihrer Rohheit und Unvollkommenheit zelebriert.

Wabi Sabi, oft als „fehlerhafte Schönheit“ umschrieben, vermittelt Ideale der Asymmetrie, Unbeholfenheit und die Spuren der Zeit. In dieser Ausstellung zeigt jeder Künstler, wie sie die Prinzipien des Wabi Sabi auf ihre eigenen einzigartigen Weisen in die zeitgenössische Kunst integrieren. Durch ihre Arbeiten schaffen sie einen Dialog über Natur, Transformation und die Möglichkeit der Erneuerung.

Kontext & Referenzen

• Die Herkunft des Wabi Sabi reicht tief in die japanische Kultur zurück, beeinflusst durch Zen-Buddhismus und traditionelle Handwerkskunst.
• Ikonische Referenzen finden sich in der Kintsugi-Technik, bei der zerbrochene Keramiken mit Goldlack repariert werden, um die Verletzlichkeit und den Prozess der Wiederherstellung zu betonen.

Techniken hinter den Kunstwerken

• Kintsugi: Reparaturtechnik, die Risse mit Goldlack hervorhebt und die Schönheit des Unvollkommenen zelebriert.
• Textilkünstlerische Techniken: Anwendung von traditionellen Stopftechniken, um Narben sichtbar zu machen.
• Webtechniken: Kombination verschiedener Materialien und Farben, um Texturen und Oberflächen zu schaffen.
• Formgebung: Experimentelle Ansätze beim Zusammenarbeiten mit keramischen Materialien, um unkonventionelle Formen zu gestalten.
• Minimalismus: Vereinfachung der Formen und Farben, um das Wesentliche der Materialien zu betonen.

Integration der Techniken in eigene Kunstwerke

• Erstelle eigene Kintsugi-Werke aus zerbrochenen Keramiken und experimentiere mit verschiedenen Lacken.
• Verwende alte Textilien, um neue, gemusterte Stoffe durch Reparaturtechniken zu kreieren.
• Integriere minimalistisches Design: Fokussiere auf wenige Farben und einfache Formen, um die Reinheit des Materials hervorzuheben.
• Nutze das Prinzip der Asymmetrie in deinen Skulpturen oder Objektarbeiten, um die Schönheit des Unvollkommenen zu betonen.
• Schaffe textile Skulpturen, die Texte und Farben in unerwarteten Formen kombinieren.

10 kreative Vorschläge für Kunstwerke

1. Eine Wandinstallation aus Kintsugi-Keramiken, die gleichzeitig die Verletzlichkeit und die Feier der Erneuerung darstellt.
2. Skulpturen aus zerrissenen Textilien, die einen neuen, narrativen Kontext schaffen.
3. Ein interaktives Kunstwerk, bei dem das Publikum eigene Reparaturen an Objekten vornimmt.
4. Eine Reihe von minimalistischen Teeschalen, inspiriert von Shiro Tsujimura, die in verschiedenen Formaten präsentiert werden.
5. Eine Fotoreihe, die den Prozess der Reparatur von Alltagsgegenständen dokumentiert.
6. Eine textile Wandbehang mit Sichtbaren Reparaturstellen, die Geschichten von Veränderung erzählen.
7. Verschnürte Skulpturen aus natürlichen Materialien, die den Einfluss der Natur auf die Form verdeutlichen.
8. Ein Künstlersketchbook, das den kreativen Prozess der Umgestaltung und Wiederherstellung dokumentiert.
9. Ein Workshop zur Anwendung von Kintsugi-Techniken für Interessierte.
10. Eine digitale Collage aus Bildern beschädigter Objekte, die assoziative Geschichten erzählen.

Sound-Bezug

In Bezug auf die Klangkunst bildet die Ästhetik des Wabi Sabi eine faszinierende Grundlage. Das Prinzip, das das Unvollkommene zelebriert, kann auf musikalische Kompositionen übertragen werden, die absichtlich Imperfektion und Unvollständigkeit betonen. In der Techno-Kultur, wo oft rohe und unerforschte Klänge geschätzt werden, lässt sich diese Ästhetik direkt spüren. Ein Track, der den Charakter von Unvollkommenheit in die Struktur einbindet, könnte einer visuellen Darstellung in der Kunst entsprechen, die den Fokus auf die natürliche Schönheit des Materials legt.

Gerade in einer Zeit, in der Perfektion oft als Goldstandard gilt, kann die Auseinandersetzung mit Wabi Sabi in der Musik die Zuhörer dazu einladen, die Zerbrechlichkeit und den Prozess des Werdens und Vergehens zu schätzen. Elemente wie das Aufeinandertreffen von Harmonien mit Disharmonien geschaffen durch Variationen in Rhythmus und Klangfarbe spiegeln die Unvorhersehbarkeit des Lebens wider und schaffen eine damit verbundene emotionale Resonanz.

Ich bin eine Maschine und manchmal schreibe ich KÄSE.

Diese Ausstellung führt die traditionelle japanische Ästhetik von Wabi Sabi, die sowohl eine Philosophie als auch einen Designansatz ist, ins 21. Jahrhundert und untersucht die Art und Weise, wie Ausbessern und Reparieren, Wiederherstellung und Vergänglichkeit für viele Künstler nach wie vor fesselnde Vorstellungen sind. Jeder der Künstler in der Ausstellung stellt Objekte her, die natürliche, unraffinierte und unvollkommene Formen zelebrieren. Mark Newport und Yeesookyung reparieren und erfinden aus beschädigten oder kaputten Objekten neue Objekte. Ihre fragmentierten, farbenfrohen, reparierten Stücke zelebrieren Ideen der Erneuerung. Der Respekt vor der Natur und der Reinheit des Materials zeigt sich in Shiro Tsujimuras Keramikarbeiten und in Frances Tromblys Faserstücken. Beide gehen ihre Praxis mit tiefem Respekt vor ihrem Medium und dem Wunsch an, die Form zu vereinfachen und gleichzeitig die Tradition in Frage zu stellen. Zu sehen im Sun Valley Museum of Art vom 14. Januar bis 26. März 2022. MUSEUMSAUSSTELLUNG Die oft als fehlerhafte Schönheit definierte Wabi-Sabi-Ästhetik bedeutet Asymmetrie, Unbeholfenheit und Beweise für die Kräfte der Natur und der Zeit. Es umfasst das Unkonventionelle und Zerbrochene als Schönheit – eine Erinnerung an die Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit der Welt. Die vier Künstler dieser Ausstellung stammen aus unterschiedlichen Traditionen. Mit Sitz in Ostasien bringen Yeesookyung und Shiro Tsujimura einen innovativen Ansatz für Keramik an Orten ein, an denen kulturelle Praktiken streng vorgeschrieben sind. Die amerikanischen Künstler Mark Newport und Frances Trombly haben sich jeweils für das Medium Faser entschieden, das in der westlichen Welt historisch als minderwertige Kunst angesehen wurde und in weibliche und handwerkliche Traditionen verbannt wurde. Ob sie im Osten aufgewachsen sind, wo seit Jahrhunderten Vorstellungen von Unvollkommenheit und Wabi-Sabi gepflegt werden, oder ob sie mit westlichen Idealen von Schönheit und Perfektion aufgewachsen sind, jeder dieser Künstler schafft Kunst, die unkonventionell, roh und in ihrer Unvollkommenheit zutiefst ansprechend ist. Mark Newport verwandelt zerrissene, zerrissene oder abgenutzte Stoffstücke und betont den Ort der Reparatur mit verbesserten Nähten, die zu neuen Mustern, Farbtupfern und einer Neubetrachtung der ursprünglichen Form führen. Newport bezeichnet seine Fäden manchmal als Stiche oder Narben, und obwohl er traditionelle Stopftechniken anwendet, widersetzt er sich der Erwartung, dass die Reparatur verblendet werden sollte, um den Riss zu verbergen. Stattdessen betont Newport die „Wunde“, indem er dem Wirtsstoff neue Farben oder Texturen verleiht. Auch in Yeesookyungs Keramikgefäßen finden sich Vorstellungen von Erneuerung und Wiederherstellung. Sie setzt Reste ausrangierter koreanischer Töpfe sorgfältig zu völlig neuen Formen zusammen und wendet dabei die traditionelle Kintsugi-Methode an. Dabei lenkt sie die Aufmerksamkeit auf die Stelle der Reparatur, indem auffällige Linien aus Goldlack deutlich erkennen lassen, wo ein Topfsplitter auf den nächsten trifft. Durch die Zusammenstellung unterschiedlicher Stücke aus mehreren Originalen stellt Yeesookyung diese Stücke in prekären und unregelmäßigen neuen Formen dar. Die Keramikobjekte von Shiro Tsujimura sind ungekünstelte, einfache Formen mit rustikalen Oberflächen, die durch die Unvollkommenheiten des Tons und die Spuren des Feuers hervorgehoben werden. Diese Sammlung von Teeschalen wurde von Henry Whiting zusammengestellt, der sie als Ergänzung zum Frank Lloyd Wright Studio auswählte, in dem er in Bliss, Idaho, lebt. Die Einfachheit und Reinheit der japanischen Ästhetik fand bei Wright und Whiting großen Anklang. Die Teeschalen von Tsujimura, die auf den ersten Blick schlicht und gleichartig erscheinen, haben jeweils einzigartige Formen; Jedes Element der Kanne soll wahrgenommen werden, da sie sich zum Teetrinken in zwei Hände schmiegt. Tsujimuras Teeschalen stehen im Einklang mit jahrhundertealten japanischen Traditionen. Sie wurden jedoch von einem Künstler hergestellt, der ohne die Einschränkungen einer traditionellen Ausbildung zur Keramik kam. Sie spiegeln einen ikonoklastischen Ansatz wider, der es ihm ermöglicht, mit mehreren Tonkörpern und Traditionen zu arbeiten. Die handgewebten Textilien von Frances Trombly zeugen von einer anderen Art von Reinheit. Sie setzt die Farbe sparsam ein und lässt durch die Webart und Kette des Materials eine Oberfläche entstehen. Die als Skulpturen präsentierten nackten Stoffe drapieren und umfließen einfache Holzstrukturen, von denen einige an die Struktur eines Gemäldes erinnern. Sie präsentiert Material in seiner schlichtesten, wesentlichsten Form und lässt Störungen oder Fehler offensichtlich, betont die Beziehung zwischen Hersteller und Form und würdigt die für die Arbeit erforderliche Zeit.